国内知名画家有哪些(2021画家影响力Top50)

1.黄永玉

人生如梦,是幸福的几何。

“老小孩”、“老顽童”、“天才”是很多人对他的评价。黄先生已经90多岁了,但他一点也不焦躁不安。他80岁上时尚杂志封面,90岁办展览,91岁搬到林青霞,93岁成为法拉利,94岁出书…

“你们都太严肃了,我只好老不正经了。”“问问自己:活着要有意思。”

如画,除庚申年猴票外,黄永玉设计的酒鬼陶瓶创下了国内最高的设计和包装成本。他的漫画是内心世界和情感的融合,经常用几个淡淡的字来单独揭示画面的意境。“鸟是好鸟,但话太多。”“我长得丑,我妈喜欢。”“夏娃问亚当那条蛇去了哪里,亚当说是广东人偷去酿酒的。”好像一点都不严重。笑过之后,也能体会到黄老轻松豁达的心情。笔画之间,似乎全是人生阅历,感悟和洒脱。

2、责任重大

精心制作,独具匠心。

任中在当代水墨界被人们寄予厚望,尤其是他细腻独特的工笔。其工笔细腻,精细程度弱于发丝,几乎完全再现了其原貌。一般来说,展现魅力是最难的。然而,他的笔触散发出一种生命的形式,一种生命的气息,一朵花,一棵草,一块石头,一根竹子,一条流水,一条褶裥…表现出一种动感。

任重经常强调:“我相信成功是有捷径的,坚持就是成功的捷径。”他从小跟随父亲学画,几十年来一直没有改变初衷。除了改进他的技术,他还寻求在纸笔上反映他内心的精神形象的位置。向历代名家学习,精益求精,提炼个人独特风格,是当代水墨的创新局。

3.刘大为

心胸宽广是人生一大乐事。

关注度之高,还在于刘大为的工笔写意功力。曾任中国美术家协会主席,以反映北方少数民族生活习俗和重大历史题材著称。有《马背上的民族》、《大漠》、《大万良驹》等少数民族题材的著名作品。画面中积极乐观的人性之美也体现了画家旷达的胸怀。

“生活条件的艰苦与人的精神追求无关。我觉得少数民族同胞在艰苦的日子里积极面对生活,面对自然,在艰辛中获得乐趣,这是难能可贵的。我的作品应该给人们带来向上的希望,这是我的艺术观和人生观。”

在平凡中见精神,在平和中显沧桑,是刘大为十几年边塞生活的发展,也是他对历史风貌和时代精神的独特把握。

4.陈丹青

直言不讳,痛并快。

1980年,一组名为《西藏组画》的油画引起了国内艺术界和文艺界的关注,成为颠覆启蒙模式、追溯欧洲的开端。它被普遍认为是具有划时代意义的经典作品,作者是当时27岁的陈丹青。

2000年回国后,他不断突破“画家”的身份意识,以画成名,用文字打圆场,对社会采取尖锐的批判甚至不合作的姿态。比如不认同高考机制,愤然辞去清华美院博士生导师,炮轰“中国当代艺术是垃圾”等等,批判嘲讽,激荡人心。

这种鲜明独特的个性使他的作品与众不同,也使他对社会的看法充满特色。他大多是靠自己的经验来看待当今社会,但社会也是不断发展的。“我只是一个还没学会说谎的人。”这或许是对他人生和处事方式的一个很好的总结。

画家画的是真性情,不是吗?

5.沈鹏

放纵,不要特立独行。

关于沈鹏,他的书法更有名。作为历届中国书法协会任期最长的主席,他在当代书法界有着非常特殊的地位,创作了一万五千多幅书法作品,其中以草书见长,还有昌黎、楷等多种书法风格。赵朴初先生曾称赞他的书法,“伟大的作品不会让智者去做,所以备受赞赏。”

沈鹏的个性是最重要的一点。他的文笔如龙时,风格奔放,文笔恣意。他曾公开表态:“我宁愿书法写得差,也要写出自己的个性!”诚然,书法作为人的主观创造,体现了人的生命意识、精神和审美心态,体现在一切艺术形式中,是图像的个体艺术。

6.徐炳

继往开来,打破界限,创造新的界限。

徐炳的作品似乎总是在探索语言和艺术之间、文字和图片之间、历史和当代之间的界限。他的标志性作品《天书》以汉字为原型,用绘画的方式创作了近4000个“伪汉字”。书法和水墨画的界限被打破了。从某种意义上说,它让观众重新思考语言的意义是如何产生的,语言是如何使用的。

徐炳能获得国际关注,不是他如何在作品中用书法笔画表达艺术,而是他如何向世界展示传统如何向当代传播思想和知识,在跨文化背景下通过语言、书法和中国传统美学传播当代艺术理念。

7.靳尚谊

点对点和面对面。

在自己的油画创作中,靳尚谊不仅吸收了从古典到现代绘画的特点,而且在笔法的表现上不断加入中国画写意的特点。用笔的“点”式,在小面积内形成紧密、丰富、多层次的特征,营造出独特的雕塑美感。特别是在明暗和方圆的转折处,可以随心所欲的处理,就像雕塑一样,可以打磨的非常光滑,也可以加工的厚重苍劲,达到自己内心所追求的简洁、有力、厚重。

画画不仅是能力,更是修养,是修养,是对形和色的理解。平面装饰感与真实感空的结合,线条造型与得体造型的交融,中国传统审美趣味在古典写实油画中的融合,作品的民族风格,是靳尚谊对中国当代油画艺术的重要贡献

8.何家英

把精神写在形式上,把美好的东西想出来。

何家英是当代中国画坛著名的工笔人物画家。一般来说,如何用细致的手法创造人体,总是很难把握的。画家需要处理好灵与肉的关系,超越感官冲动,升华到优雅的境界。精致写实的工笔,必然会使对人体的描写变得低俗。何家英先生认为应该抵制低俗的艺术倾向,这涉及到女性的人格尊严。思考和表达当今女性的生存状态和人生价值是画家的责任。

他在表现女性美时,注重挖掘不同女性心理的内在美,通过表现她们天生的天真、单纯、善良,表现出一种气质美。画中人物气质高雅,韵味十足,东方女性特有的美令人印象深刻。

9.方楚雄

专一,稳重,深远。

温文尔雅的谈吐,朴实无华的外表,含蓄不张扬的举止……方楚雄身上体现了一个成功的南方画家的某种气质,是画坛名副其实的“稳健派”。8岁时被称为潮汕艺术神童。22岁,作品《鸭牧图》发表在《人民画报》上;三十多年的艺术生涯,他稳步成为当今为数不多的花鸟代表画家之一。

“作为艺人,不可能完全无视市场,但也不能想多了。市场不是一个艺人自己能控制的。”方楚雄坦言,经常被朋友说自己的作品陆续出现在拍卖行,赝品很多。因为络绎不绝,他干脆不去理会他们,只是埋头画着眼前的每一件作品。

艺术实践不断提示和引导他充分发挥自己的个性,才能在动物题材的创作中形成如此苍劲优美的画风。

0.曾梵志

遵从自己的内心,用形象做比喻。

早期在武汉学习时,曾梵志创作了“肉联系列”和“协和三画”。人们的形象被描绘成只有粉红色和红色的厚肉片,看起来像他们周围的动物尸体。在随后的“面具系列”(包括《面具之后》)中,他的注意力开始转向各行各业的人物,画笔下的人物总是戴着面具,以掩饰自己在“社会观”下隐藏的痛苦。

“我画的每一幅画实际上都提出了一个问题,一个关于人的问题,一系列从生到死的问题。我的创作方向是指向人们面临的所有困难。”空窑洞的眼睛,苍白的面具,苍劲的大手,混乱的笔触……站在曾梵志的作品前,观者很容易感受到画家“画如其人”的全部气质。

1.张晓刚

充分利用洪的优势,很微妙。

张晓刚善于从自己独特的视角表达对家庭和血缘的感情。他的《大家庭》系列将个人情感建立在血缘和家族制度上,以仪式化的家庭照片和具有时代特征的表情作为创作素材。作品中的人物都大同小异,苍白的脸,黑白相间的衣服,眼神如精神病患者的空洞一样茫然…让人不知所措,仿佛能与画中人感知彼此的情绪。

似乎是属于那个时代所有中国人的符号。作为一种相对私密的符号,全家福被作者概念化、标准化,融入个人感受后呈现给观者。通过表现主义和超现实主义的结合,展现了革命时代具有象征性和象征性的肖像作品,赋予了画作鲜明的个性特征和独特的精神内涵。

12.冯远

爬山,不断进步。

说起冯渊,他最鲜明的标签就是以重大历史题材和当代现实生活题材为题材的人物画创作。1999年知青艰难而迷茫的生活犹如生活的烙印,为冯渊提供了丰富的社会底层生活体验,加深了他对历史和人民的认识,确立了他关注社会、关注生活、关注人民的创作态度,赋予了他的作品以热情而深刻的风格特征,以及独特的中国精神气息。

“我画历史是为了给民族建一座丰碑;当我写作时,我意识到书法和绘画的抽象结构美是一样的。沧海一粟,画无止境。要用一生的时间才能窥见它的殿堂。”这样,每一幅画都不再只是自我的人生体验和兴趣追求,而是对宏大理想的追求和对美的崇拜。

13.杨帆

洒脱,自成一体。

血液里与生俱来的文人气息,让他对书画有着独特而直白的理解。在他的很多作品中,虽然自由奔放,但却是自由而有规律的。他虽然是直男,但并不违法。他追求的是一种洒脱,一种自然,不想规规矩矩,也不想追求技法。

如此独特的风格肯定会引起争议,但这些杨帆本人并不在乎。他曾说,绘画对他来说不是事业而是生活,绘画是生活的一部分。也正是由于这种洒脱的心态,范阳方才能“因势利导,随心所欲”,指尖得法,使他的形象在散乱的绳结中充满活力。

14.周春芽

你不能是同性恋,你不能是同性恋。

在当代中国画坛,周春芽的作品尤其与众不同。他注重色彩、肌理、质感、造型,其中他对色彩的思考和表达最具颠覆性和开拓性。

“红石系列”鲜艳瑰丽的红色,“青狗系列”纯净浓郁的绿色,“桃花系列”鲜艳鲜红的颜色,周春芽在不同时期对不同颜色的偏爱,甚至“偏执”,都与他在不同人生阶段的体悟息息相关,浓郁浓烈的色彩是当时最真实的内心投射。

桃花系列中,桃花的绚烂,生命的张扬,华丽的野性,在周春芽的作品中层层盛开,就像生活的极致,情色的极致,欲望与游戏的肆意节奏。周春芽仿佛撕掉了传统含蓄表达和象征的一切面纱,让人性中最隐秘的自然属性得以释放,快乐地呐喊。

15.罗中立

吾国吾民,追根溯源。

罗中立最知名的作品是1980年完成的大型帆布油画《父亲》,在当时深深震撼了所有人。创作源于罗中立看到养粪的农民后“我想为他们呐喊”的心声。巨幅画作,开裂的嘴唇,满脸皱纹等等。都给当时的人们带来了强烈的艺术冲击,中国农民勤劳、朴实、坚韧、隐忍的品质都跃然纸上。

之后,罗中立的作品开始超越摄影写实的再现,不再拘泥于细节的写实,而是采用更为奔放的手法来表现对象的精神特质,但不变的是深深植根于中国的乡土文化和乡村生活,梳理、提取、提炼和借鉴传统文化中一些具有中国精神、中国风格、东方气质和当代视野的审美图式,体现了艺术家应有的文化自觉和责任担当。

16.孙奇峰

当内心醇厚和谐,一个光明的未来浮现。

集孙奇峰中国艺术奖、中国书法兰亭奖、中国造型艺术成就奖于一身。早年画山水,后专注于花鸟画创作,尤以鹰、松鼠、竹、梅、松、柏等为多。他重视传统书画的水墨神韵,融合西方绘画技法。更注重提炼生活,把扎实的工笔与小写意结合起来,形成一种洒脱、飘逸、浑厚的艺术风格,“独树一帜,与众不同”。

生活中,孙奇峰始终证明“心正笔正,人品为画”。篆刻家邵培英评价说,“现在很多有学问的书法家和中国画家,都会尊敬孙奇峰先生,佩服他的艺术造诣和极高的人格。很多素未谋面的人来拜访他,他却不厌其烦地传授技艺。”绘画为一,艺术水平可见一斑。

7.韩美林

善水者,善人之步幅。

作为中国一级美术师,他不仅设计了两轮生肖纪念邮票,还是奥运福娃的设计者,在绘画、书法、雕塑、设计、陶瓷等艺术领域都有造诣。

韩美林的艺术融进了时间的旅程,也指向了人生的哲学。他笔下的小动物天真可爱,看一眼就会被吸引。但谁能想到,这个85岁的老人经历了贫穷、战争和十年浩劫。他的半辈子可以用坎坷艰难来形容,但他在作品中最想表达的依然是纯真的爱情,这在当下的社会环境中显得弥足珍贵。

18.方力钧

孔切中要害,笔绘神韵。

1993年12月19日,安德鲁·所罗门在《纽约时报》上发表了一篇文章《不只是一个哈欠,而是一声拯救中国的怒吼》,还发表了方力钧的名画《系列二与二》。从此,方力钧的名字连同这部作品,被一些西方人视为“第一次看到中国之魂”的标志。

“我的努力是用笔来描述我的人性,就像照相机在拍摄我面前的场景一样。”方力钧画中的人物总是有非常特定的面部表情,充满了荒诞、戏谑、玩世不恭的态度。为了方便观者的理解和感受,他甚至反复创造相同的意象符号。

它不仅表现了人的精神状态,而且准确地刻画了人性。

9.卢禹舜

宁静悠远,美不胜收。

20世纪80年代以来,卢禹舜将山水、宇宙、人生作为创作的三大主题,推出了《八荒》、《唐诗》、《速写》三个系列,从三个人文视角进行探索。在个人风格上,他也在努力拓展中国画的表现领域,更新中国画的表现技法,不断尝试将内容与形式融为一体。

以《欧洲素描》为例,虽然卢禹舜刻意用写实的手法突出欧洲建筑的形态和风格,甚至像油画一样描绘其肌理,但欧洲建筑的体量、空和肌理,连同其历史、政治、宗教,都在东方的笔墨抒情体系中得到了软化。它们似乎只存在于画面线条和色彩的交响乐中,那是旷达的,朦胧的,晦涩的。

20.龙瑞

贴近语境,明确出处。

近代以来,在“欧风美雨”东传和社会经济应用的双重作用下,中国画成了单纯的简化。画家执着于“画什么”,而忽略了“怎么画”。他们习惯于用题材发现代替笔墨表达,从根本上误解了中国画的本意,忽视了笔墨语言本身的重要性。

在此背景下,龙瑞提出了“贴近语境,明确出处”。回归中国画的本源,要从“道”的层面认识中国画。水墨的干湿浓淡特征在龙瑞的山水画中形成了独特的审美意义。它不是对客观山水景物的简单描述和再现,而是从本体语言的角度来表现水墨的意义和精神。

艺术:元语言

从现代研究的角度来看,文明的进步(以及科学的进步)并没有拓宽人类思考的范围(形而上学层面),而是越来越窄。更多的时候,人们不是选择尝试拓宽自己的生活边界,而是固守自己的信息茧。

造成这种现象的原因很多,语言被认为是其中之一。

萨丕尔·沃尔夫曾提出语言决定论。简单来说,人只能看到自己语言所描述的范围,而不能思考这个思维框架之外的其他情况。一个经典的例子就是爱斯基摩人对雪和寒冷的丰富描写,这是其他语言难以比拟的,很多表达方式我们很难翻译和理解。

人们希望生活在信息的茧中(或者只能生活在这里)的现象,既是主观问题,也是语言禁锢自己的前提。

然而,还有另一种语言,另一种交流方式:感觉和形象。这种交流消除了人与人之间的隔阂和防备,意志、感情、情绪在这一刻是共通的。而人在凝视画作的同时,分化和对抗消失了又消失了,画框的边缘散开了,之前隔绝的世界(情感)彼此来到一起,成为现实。

从这个角度来说,艺术其实是一种元语言。

当今世界的发展,人类发明了很多保存事物的方法,用科学的配方维持对自然的认识,用生产工具维持改造自然的能力。但是,技术永远代替不了内心的感受和感受,只有生动的情感才能留住人类自己。

另一方面,艺术用它创造的形象来表达和保留人类生动的情感。

艺术家的使命

艺术作品承载着艺术家对世界的看法,从更深层次来说,也是在向外界解释人为什么而活,人存在的意义是什么。因此,在欣赏优秀的艺术作品时,往往能引起观众强烈的情感共鸣,心灵受到影响。

在一个将作品与观众统一起来的特殊生物场中,人内心美好的一面就会显露出来。那一刻,每个人都会知道并发现,自己的情感深处有着无限的潜力。

一个艺术家能做的,无非就是把世界的形象呈现出来,让人们通过他的视线来看世界,用他的触觉、疑惑和思考来感知世界。延伸而言,艺术创作不仅仅是自我表现或自我实现,更是在自我牺牲的前提下创造的另一种现实,一种精神存在。

正因如此,艺术家自身的思想境界和品味格局就显得尤为重要。艺术家积极思考和实现的,不应该是艺术本身,而是他内心世界的本质。只有让艺术在艺术家透明的内心世界流动,行动自如,所呈现的作品内涵才能符合世界的本体,才能引起更广泛、更深刻的共鸣。

梵高是这样说的:“没有什么比普通工人想把我的画挂在家里或工作单位更让我开心的了。”梵高从不刻意讨好或迎合某个人。他对自己的作品有着极大的责任感,理解其所有的社会意义——他把自己作为艺术家的使命视为与生活物质的“战斗”,表达了自己隐藏的理想的真谛。

这一次,我们列出了一批业内高度关注的画家。从他们的作品、性格、生活方式中,我们或许能品味出许多看似不同却又有些共同的地方。

想要更好的未来,首先要让自己变得更好。

虽然本体不变,但在百年未有之变局之际,未来这个世界必将出现前所未有的现象进入大众视野。

(文本/米列)

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